Attaque 77 toca covers punk y prepara una gira acústica

El grupo Attaque 77 concretó este fin de semana un concierto en el que sólo interpretó covers de pura cepa punk y hard rock argentino e internacional, como una forma de distensión mientras prepara la gira de presentación de su CD+DVD en vivo “Acústico”, grabado el año pasado.
Ahora integrado por Leo De Cecco en batería, Mariano Martínez en guitarra y voz y Luciano Scaglione en bajo y coros, tras la partida del vocalista Ciro Pertusi, uno de los grupos emblemáticos de la escena punk argentina actuó este sábado 28 de julio en el Teatro Vorterix con un concierto de covers.
A diferencia del disco “Otras canciones” de 1998, que incluía versiones de cantantes románticos y trovadores, el concierto de anoche tuvo la finalidad de exhibir detalladamente el ADN de Attaque 77.
Así pasaron canciones de Sex Pistols, The Clash, Iggy Pop, The Damned, Ramones, Motorhead, Jam 69, Stranglers, Kiss, Billy Idol y los grupos españoles La Polla Records y Siniestro Total, amén de versiones de los argentinos Riff, V8, Hermética, Sumo, Los Auténticos Decadentes, Violadores y Todos Tus Muertos.
Los Attaque también le rindieron homenaje a bandas locales de su generación o posteriores como 2 Minutos, Flema, Mal Momento, Bulldog, Superuva, Cadena Perpetua, para los cuales han resultado una influencia más que necesaria.
La idea del trío es que este show se repita muy pocas veces, ya que la banda tiene en gateras el disco acústico grabado el año pasado en un Teatro y están ensayando en ese formato para salir de gira.
Tanto en la Argentina como en América Latina podrán disfrutar de Attaque tocando sus canciones con cuarteto de cuerdas, piano acústico y percusión, pero totalmente desenchufado. Sobre el show “Solo Covers”, el baterista Leo de Cecco dialogó con Télam y señaló que “lo hicimos solo por placer, por gusto, para entretenernos mientras preparamos la gira del Acústico”.
“Nos dimos cuenta de que si nos gustaba a nosotros tocar todos estos covers, también le iba a gustar a la gente. No solo tocamos canciones de raíz punk, también incluimos a artistas que nos influyeron como AC/DC, Motorhead y canciones más nuevas que nos han gustado mucho como `My héroe` de Foo Fighters”, explicó De Cecco. Consultado sobre el punk latinoamericano, De Cecco fue muy claro: “hubo muchas bandas punk en los 80 en toda América Latina, pero ninguna tuvo la trascendencia de las argentinas que son las más antiguas como Violadores, y luego Todos Tus muertos”. “En Brasil hubo muchas como Ratos de Porao o la misma Legión Urbana, que en un principio era punk y después giró en su sonido, pero a los brasileños les costó salir por el tema del idioma. En cambio vos hoy escuchás a bandas punks de toda la región haciendo covers de Violadores, Los Muertos o nosotros”, detalló. Sobre el trabajo con el Acústico, el baterista dijo que partió de una idea del guitarrista y vocalista Mariano Martínez y “nos pasamos gran parte de 2011 ensayando las versiones del acústico, que tuvo muy buenas repercusiones, le gustó mucho a la gente”.
Entre septiembre y octubre la banda va a salir de gira para apoyar el lanzamiento del disco, y esos conciertos serán en un estricto formato acústico con cuarteto de cuerdas, percusión y piano acústico.
En lo que respecta a su preparación, de Cecco dice que fue fuerte porque “tuve que cambiar mi manera de interpretar.
Usé unos palos que semejan escobillas que fabrica Steve Jordan, el baterista de Keith Richards, también usé un set de batería y de platillos más chicos y obviamente hubo que bajar los decibeles y la fuerza”.
“Mariano se sintió muy cómodo con todas las guitarras acústicas, el ukelele y el bichito cordobés, que es un charango un poco más chico de la normal. Pero toda esta labor nos permitió mirar nuestras canciones desde otro lugar, darles otro brillo, otro color para sonaran muy buenas”, añadió.
El baterista explicó que el show es para un formato de teatros y para que “la gente esté sentada disfrutando. La idea es tocar a lo largo y a lo ancho del país, porque en cada pueblo hay un teatro".
"Todo se fue dando, nunca pensamos que íbamos a llegar tan lejos. Hace 24 años que estamos tocando y representa mucho para nosotros. Ya somos una gran familia, esta es nuestra cuarta temporada sin Ciro y la verdad que nos encontramos muy bien", resumió el baterista.
De Cecco anunció para 2013 un disco con canciones nuevas de Attaque 77, que comenzarán a grabar hacia fin de año o principios del otro, aunque “todavía no nos mostramos entre nosotros los temas en los que anduvimos trabajando. Así que falta”.
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El Indio Solari habló de sus shows, su próximo disco y su simpatía K

En una verdadera excepción en su carrera, Carlos "El Indio" Solari le dio ayer una extensa y distendida charla a Mario Pergolini, en la que adelantó cómo será su nuevo show en Tandil, habló de su próximo y contó sus costumbres cotidianas. "Es difícil hacerse cargo del cariño de miles y de esa expectativa", contó.
"Estamos haciendo un buen show, tengo una banda de puta madre, no pijoteamos el espectáculo, tenemos buenas pantallas, buen sonido", explicó sobre los conciertos que está brindando con su banda.
El cantante se prepara para tocar el 3 de diciembre en Tandil, luego del concierto que dio en el mes de septiembre para 100 mil personas en Junín. Fue en esta ciudad bonaerense en donde tocó en 2010 frente a 80 mil fanáticos.
"Es difícil hacerse cargo del cariño de miles y de esa expectativa", confesó en una entrevista concedida a "Cuál es?", el ciclo de Pergolini en la Rock and Pop, en el que reveló sentirse bien tratado.
Luego del show en Tandil, Solari se concentrará en su cuarto disco solista. "Por eso el año que viene seguramente no toque, aunque quizás haga un teatro a fin de año, como máximo dos noches", aseguró.
Para este disco convocará a varios ex integrantes de Los Redonditos de Ricota. "Era medio demagógico invitar a Semilla (Bucciarelli, bajista), a (Sergio) Dawi (saxo) y a Walter (Sidotti, batería) en el primer disco; ahora ya podría ser pero vi un reportaje que le hacían a Semilla y ahora no sé si tiene ganas", explicó.
El gran ausente es, claro, Skay Beilinson, con quien sigue distanciado. "Tanto él como yo estamos muy conformes con lo que hacemos hoy", explicó, sin dar mayores detalles de cómo vive el alejamiento.
En cambio, sí reafirmó su sintonía con el gobierno de Cristina Fernández y su hábito de ver "678" cada noche. "No creo en el artista militante. Voy a hablar como ciudadano: creo que ha habido un gran desprestigio de tipos inteligentes por defender causas sin argumentos y en '678' hay argumentos", aseveró.
Durante la charla, además, Solari contó cómo convive con su status de ídolo y por qué está siempre fuera del ojo público. "Lo mío es una fobia, una tara, no hay manera de disfrazarla de otra cosa. Y últimamente estoy peor. Cuando se exponen las cifras de la gente que resuena con lo que hacés, hay un montón de otra gente que empieza a reclamarte cosas", contó.
Y vaticinó que su enorme convocatoria no durará para siempre. "Vengo presagiando hace años que esto se va a acabar. Es inusual el éxito permanente. Llega un momento en el que hacerse cargo de una escena de estadios es difícil. El teatro no me parece una alternativa ruin, tocaría en el Luna Park o en Obras. Son espacios gratos, los extraño", concluyó.
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El guitarrista Joe Satriani habla del segundo disco de Chickenfoot

El virtuoso guitarrista estadounidense Joe Satriani está lanzando el segundo álbum de su banda Chickenfoot, al que decidió denominar con el nombre del grupo porque, resaltó, “me pone muy feliz decir que este disco suena a Chickenfoot”.
“Queríamos sonar más pesados y gancheros que nunca y lo logramos gracias a Mike Fraser, el productor del disco, que nos dio plena libertad y nos ayudó a sonar como nosotros queremos, de una forma única", reveló Satriani.
El reputado Fraser, que supo trabajar con AC/DC, Metallica y Aerosmith, se reunió con el guitarrista neoyorquino, de 55 años, y con los demás integrantes de la banda para registrar "Chickenfoot III" (aunque el título haga suponer que es el tercer disco, en realidad es el segundo).
Al grupo lo completan Chad Smith (baterista de Red Hot Chili Peppers), Michael Anthony (bajista y fundador de Van Halen) y Sammy Hagar (ex cantante de Montrose y Van Halen).
Algunos de los temas que componen la ambiciosa placa son "Last Temptation", "Alright Alright", "Different Devil", "Come Closer", "Big Foot", "Dubai Blues" y "Something Going Wrong".
La placa se presenta con imágenes en 3D, incluyendo fotografías y anteojos 3D para poder visionarlo. Además, al mirar con el cristal azul o rojo, la portada ofrece dos imágenes distintas.
Satriani arriesgó que "la banda suena cada vez más potente” y se negó a delimitar las fronteras estilísticas desde las que la banda concreta su abordaje sonoro.
- ¿Cuál es el concepto del nuevo disco?
- No entramos al estudio con una idea en particular, queríamos zapar y pasar más tiempo juntos y en ese proceso Sammy (Hagar) trajo letras realmente geniales que nos hicieron mejorar.
- ¿Que sentís acerca de volver ser parte de una banda?
- Es un honor tocar con tan grandes músicos como Mike, Sammy y Chad y cuando nos conocimos ya nos sentíamos como una banda de garaje que se juntaba a tocar y divertirse. Todo empezó en el 2008, cuando me llamaron para tocar con ellos en un teatro de Las Vegas, y estuvo tan bueno que terminamos tocando juntos. Desde ese día nos movemos establemente como banda aunque la mayoría de nosotros tenemos proyectos solistas en paralelo. Además tenemos pensado sacar un DVD y preparar nuestro segundo tour.
- ¿Con esa gira piensan venir a Sudamérica?
- Realmente espero poder ir allá porque siempre la pase genial en Sudamérica. Argentina en particular es un lugar que me trató bien en cada uno de mis proyectos, así que para el año entrante seguramente andaremos por Buenos Aires.
- ¿Qué se puede contar acerca de la actualidad del proyecto de guitarristas G3?
- Me encanta el G3 y no dejo de trabajar en eso. Ahora estamos proyectando una nueva gira para 2012 que tengo que ver con quien la compartiré: pueden ser Steve Vai, John Petrucci (Dream Theater), Yngwie Malmsteen, sólo por citar algunos nombres, pero eso siempre dependerá de sus trabajos personales.
- ¿Cómo es tu presente como solista?
- Siempre dijeron que soy uno de los mejores guitarristas del mundo. Y es raro que yo no lo sienta así (risas), siempre trato de mejorar y de perfeccionarme. Sé que hay grandes guitarristas jóvenes ahí afuera, y me encanta que me den mucha atención a mí, pero espero que les nuevos chicos tengan su oportunidad.
- ¿Podemos esperar otro nuevo disco solista?
- Voy a sacar un DVD en 3D llamado “Live In Montreal”, que va a salir el mes que viene. Pero todavía no se si editaré algo más, ya que el mes que viene comenzamos a girar con Chickenfoot por Europa y los Estados Unidos.
- Por último ¿qué le dirías a alguien que quiere formar una banda?
- Que sea lo más original posible y que tenga hambre de gloria, porque eso me funcionó a mí.
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Carlos Santana promueve una revolución con música

CIUDAD DE MÉXICO (07/OCT/2011).- .- El guitarrista jalisciense Carlos Santana considera a su música una vía a través de la cual lleva un mensaje para proveer de paz y armonía a quienes escuchan sus melodías.
“No una revolución de violencia, sino una evolución de compasión, esa es la propuesta del sonido de Santana”, señaló el intérprete en entrevista telefónica desde Los Ángeles.
El músico siempre ha abogado por iniciativas de beneficencia y ahora no es la excepción, ya que ofrecerá un concierto el sábado 15 de octubre en León, Guanajuato, para apoyar la educación infantil, a través del Centro Fox.
“Es una cosa sólida y clara: entre más invirtamos y demos muchísima educación a las personas, más sabrán valorarse a ellos mismos, y no pueden hacerle daño a otros; entre más educa uno a la gente, nos educamos a nosotros mismos y menos tiene uno tendencias de ser una bestia brutal, sin compasión”, añadió sobre un proyecto que emprendió a favor de la educación de la juventud.
Sin miedo a las críticas
El músico de Autlán, quien siempre ha procurado defender los derechos sociales, argumentó que la parte de la violencia en México puede liberarse con la legalización de la mariguana, pues si bien los problemas terminaron en Estados Unidos cuando se permitió la venta de alcohol, algo similar podría ocurrir en el país. “A veces me pregunto por qué se pelean por un charco o el aceite o las drogas; yo no tengo miedo de decir que, el día que la legalicen, todo eso se acaba. Legalicemos la mariguana y agarramos todo ese dinero para estudiantes, profesores y escuelas, hagamos una vuelta para mejorar y hacer una cosa sólida, que haya paz, ternura y compasión. Y si queremos que pare la violencia y la brutalidad y tanta cosa tan cruel, no nada más en México, sino en el mundo, hay que invertir en la educación”.
Defensor de los derechos humanos
Santana también ha colaborado en la búsqueda del respeto a los derechos humanos y ha fomentado la equidad entre las personas. “Todo cambia cuando dejas de cooperar con algo, nosotros colaboramos mucho con este plan que es ahora Estados Unidos, y nos tratan como si fuéramos plagas. El día en que nos veamos sin violencia, sin prejuzgar, con integridad, con inteligencia y con dignidad, las cosas cambiarán. Nací en México, pero yo no tengo alianza ni de la bandera americana ni de la mexicana; yo tengo alianza con la humanidad, los niños, las mujeres y los corazones. Yo vine para darle más atención a la gente invisible en Estados Unidos, que son los latinos, pero no tengo ningún complejo de superioridad o de inferioridad, no puedo cantar ningún himno mexicano ni americano; yo canto un himno en el que todos somos iguales”, puntualizó.
Trasciende lo sensorial
El maestro de la guitarra, quien ha matizado con su instrumento diversos temas, refirió que su música trasciende el aspecto sensorial. “La música de Santana por un lado es para hacer bailar y gozar, una cosa sólida sensual. Pero por el otro tiene un espíritu que no se puede medir con una computadora o un satélite, es una cosa que es más que yo”.
La espiritualidad y devoción son dos características del guitarrista, quien ha dedicado su trayectoria a rodear su vida de paz, por ello espera al final de sus días haber apoyado con su trabajo terrenal.
“Cuando muera no me voy a llevar nada, sólo mis experiencias y mis pensamientos, y yo estoy muy alegre”.
''Si queremos que pare la violencia y la brutalidad (…), no nada más en México, sino en el mundo, hay que invertir en la educación.''
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Muse empezará a grabar en septiembre su sexto álbum

Los rumores decían que Muse volvería al estudio en septiembre sin Matt Bellamy. Después se supo que lo único que había de cierto en esa frase es que empezarían a grabar en septiembre, Bellamy no faltaría, por supuesto. Ahora el bajista, Chris Wolstenholme, ha dado más detalles en una entrevista telefónica concedida a Zane Lowe para la BBC Radio 1.
El músico confirmó que Leeds y Reading serán las últimas actuaciones de Muse en esta temporada porque estarán grabando su sexto álbum durante los meses de septiembre y octubre. También ha aclarado que en estos últimos conciertos no habrá temas nuevos sobre todo por precaución, aunque reconoce que es el momento de darle a los fans algo nuevo: “Es difícil llevar las nuevas canciones al directo antes de haberlas grabado. Después te encuentras por ahí grabaciones poco fiables de esos temas en directo antes de que haya salido el álbum. Por eso los músicos tocan cada vez menos canciones nuevas en directo. Prefieren entrar el estudio, grabar y después hacer la gira”.
El trío está decidido a entrar en el estudio. Según Wolstenholme no tienen intención de ampliar su calendario de conciertos, aunque tocar en directo es algo que les encanta hacer: “Siempre vamos a ser una banda de directo. Según pasan los años uno tiende a reducir las actuaciones en directo, pero a nosotros todavía nos gusta mucho hacerlo”. Esperemos que en septiembre nos cuenten algo más, por ejemplo cómo serán las canciones o si habrá una nana para el hijo de Bellamy como ya se comentó.
Por cierto, se cumplen 10 años de ‘Origin of Symmethry’ y, según un tuit de Bellamy, Muse lo podría celebrar tocando el disco completo en Reading y Leeds los próximos 26 y 28 de agosto.
Querés escuchar la entrevista a la BBC en inglés?

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Joaquín Sabina: “En septiembre grabamos un disco con Serrat”

“El concierto en el Luna Park fue mítico, los tres más importantes de Buenos Aires que no tenían las mejores relaciones entre sí aparecieron a cantar conmigo, Fito Páez, Andrés Calamaro y Charly García”
“Lo que tengo es porculitis, es una cosa delicada y complicada, nada grave, pero es una especie de inflamación y con infección, cerca del colón, y esa parte a la de mi pueblo nos asusta mucho. Los antibióticos de los que me estoy atiborrando hacen efecto, ya ni me duele ni me molesta. Gredos es el Woodstock de España así que no puedo faltar a la cita”
“Calamaro y yo hace años hicimos una de las giras que recordamos con mayor amor Pancho Varona y yo, en 1996, con Los Rodríguez. Preguntaré dónde pisó Dylan para darle un lametón al suelo. Hay que celebrar que estamos vivos, asumir nuestro lado perroflauta y divertirnos con la gente. Llevaré una chaquetita porque me han dicho que refresca”
“Si significa algo el nombre de la gira El penultimo tren… es que no es la última gira”
“Ha habido unos viejos maravillosos en los indignados. Los que han inventado eso lo han hecho de una manera hermosa y a veces desconcertante. Prohibir los deshaucios me parece algo fantástico y hermoso. No hay alternativas en la economía, uno no ve programas políticos que propogan algo diferente… no recuerdo un tiempo en el que todo el mundo creyera que esto iba a ir a peor”
“El azul gaviota no es un color que me gusta, me gusta más que el color falangista… pero el voto de castigo ha sido mucho mayor de lo que habíamos pensado. El 15M es algo que nadie esperaba, se criticaba a la juventud, que no salía a las calles… y los que pedían que salieran a las calles ahora están preocupados. “Si no nos dejáis soñar no os dejaremos dormir” es una gran frase. Quizás haya una canción. De momento no me he pasado por allí porque no quiero que piensen que me quiero hacer la foto…”
“Un día me llamó la familia de Mariano Zugasti para decirme que el hombre que me había dado el pasaporte tras conocerme de media hora… se había ido, se había quitado la vida”
“En octubre retomamos Nueva York, Miami y Los Angeles. Vamos a grabar un disco con Serrat en septiembre, a cuatro manos, a dos voces… y yo imagino que de ahí saldrá una gira”
“Hay muchos que ven ya al Kun Agüero vestido con la camiseta del Real Madrid. El Atlético de Madrid es un sentimiento, seguiremos con esperanza…”
Entrevista con Joaquín Sabina y Pancho Varona en la Cadena SER.
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Chavela Vargas no teme a la muerte y sólo pide que no llegue en fin de semana

Tepoztlán (México), 5 oct (EFE).- La veterana cantante Chavela Vargas, de 91 años y considerada como una de las voces legendarias de México, no teme a la muerte -aunque en ocasiones la ha sentido muy cerca- y sólo desea que no llegue en sábado ni en domingo para no fastidiarle el fin de semana a nadie.
"Yo no quiero la cosa esa de las lágrimas postreras. Que a mí no me vayan a llorar en mi tumba", dijo hoy en un encuentro con periodistas en su propia casa -con motivo de un concierto que dará el próximo viernes-, en una finca del verde pueblo de Tepoztlán, en el estado de Morelos, contiguo al Distrito Federal.
Allí, a la sombra del Tepozteco -una montaña que ha inspirado a artistas y escritores- pasa el ocaso de su vida con calma, tras décadas de turbulencia.
Recuperada de sus últimos achaques de salud, que la han mantenido alejada de los escenarios, confiesa que no le preocupa morirse. "Todos mis amigos que se han ido lo han hecho muy felices", dijo, y si la gente le tiene miedo a la muerte es "por desconocimiento", agregó.
Durante toda la charla, la cantante -en silla de ruedas y con sus eternas gafas oscuras- se mostró muy animada y bromeó en todo momento con los periodistas.
Demostró así que han quedado atrás esos meses duros en los que su frágil salud apenas le permitió pronunciar palabra en un homenaje que se le hizo en la capital y en la presentación de su último disco, "¡Por mi culpa!".
No le ha quedado nada por hacer de todo lo que ha querido, ni culpa a nadie de las desgracias que haya podido pasar. "Me echo la culpa a mí", dijo la cantante, gran admiradora de los poetas Pablo Neruda y Federico García Lorca.
Preguntada por cómo ve a México en el año en el que cumple 200 años del inicio de su Independencia, respondió que lo siente como "un gigante dormido" que no acaba de reconocer del todo.
"Así veo yo a México, como el gigante dormido, esperando que se vayan todos estos...", añadió la artista.
"Estoy un poco destanteada... el lenguaje, la música (actuales), no está México en eso", lamentó sobre una nación "que tiene un color de identidad precioso, como dicen los poetas".
De las voces contemporáneas, eligió a Alejandro Fernández, "El potrillo", uno de los ídolos del país, que conjuga el pop y la tradición mexicana en sus canciones. Antes, no obstante, le caía mal, aseguró.
"Lo veía muy presumido, pero no es tal, es muy sencillo", reveló. El cambio de parecer se suscitó después de que coincidieran en una entrega de premios.
Con el padre de Alejandro, Vicente Fernández, leyenda viviente de la ranchera, dijo no tener trato. "A 'Don Chente' no lo he tratado mucho, como que no nos caemos bien", apuntó.
Tuvo palabras de elogio para Juan Gabriel, otra de las grandes voces de Hispanoamérica, al que calificó como el único compositor mexicano vivo que sabe cómo escribir una buena canción.
Chavela escucha también con gusto al "Sol de México", Luis Miguel. Entre las voces femeninas destacó a Eugenia León y a su protegida Lila Downs, a la que ha tildado repetidamente como una de sus posible sucesoras y con quien mantiene una gran amistad.
La cantante nació en Costa Rica, pero vive en México desde su adolescencia. A lo largo de las décadas su voz se ha convertido en una referencia para la música de América Latina.
Gran parte de los temas de los más destacados compositores mexicanos -como José Alfredo Jiménez- se han hecho inmortales en su voz: "Paloma negra", "Las ciudades", "Las simples cosas", entre otros.
También se convirtió en una figura popular que se codeaba con personajes como la pintora Frida Kahlo y el muralista Diego Rivera y que descendió a los infiernos del alcoholismo.
"De cantante a borracha", recordó hoy, para aclarar que "va para quince años" sin tomar una copa. Sus amigos "podría contarlos con los dedos de la mano, y de sobra", dijo. Entre ellos, no se olvidó de sus cómplices españoles, el director de cine Pedro Almodóvar y el cantautor Joaquín Sabina.
Aunque se retiró de los escenarios en 2006, Chavela volvió dos años después para un concierto, que no pudo acabar por razón de salud, pero en el que dio el do de pecho cerca de 70 minutos.
Ha hecho varias apariciones públicas cuando su salud así se lo ha permitido. El viernes participará en un concierto de la argentina la Negra Chagra, en la capital, junto a una artista invitada que no quiso desvelar.
Al día siguiente, estará en la Feria del Libro de la Ciudad de México, para hablar del libro sobre su vida que publicó hace un año, "Las verdades de Chavela".
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Peter Gabriel: "Si conoces la música de otros países no puedes ser racista"

(Entrevista a Peter Gabriel)
No hay muchos protocolos de protección para entrevistar a Peter Gabriel, y el personaje aparece por sorpresa, en la recepción de sus estudios Real World, en Box, en el sur de Inglaterra, dispuesto a preparar un café al periodista. Hablamos de la Costa Brava (cuando era un crío veraneó en la playa de Santa Cristina) y de Barcelona, donde mantuvo contactos con Pasqual Maragall para construir un parque temático experimental en un terreno del Vall d'Hebron. «Falló el dinero, pero Barcelona fue la única ciudad suficientemente loca para aceptar considerar el proyecto», ironiza.

-¿Es una muestra de humildad publicar un disco de versiones como Scratch my back?
-Yo empecé como compositor y siempre me ha interesado ver cómo los intérpretes abordaban canciones de otros. En este disco hay grandes textos de Paul Simon, Randy Newman, Arcade Fire¿, y es interesante redefinir la canción a tú manera. He sentido una gran libertad. La idea es que estos artistas graben una canción mía, y lo estoy logrando: ya tengo seis y espero publicar un disco con todas ellas el año que viene.
¬Hasta hace poco, los artistas pop que trabajaban con orquestas eran acusados de pretenciosos o de sufrir un sentimiento de inferioridad.
-Sí, pero aquí los arreglos son discretos, austeros; a veces crecen, pero no son pomposos. Esta es una idea bastante tradicional, aunque nueva para mí. No he unido un grupo de rock con una orquesta, sino que he eliminado la primera parte.
-Tanto el disco como el show empiezan con Heroes, de David Bowie.
-Sí, interpretamos todas las canciones del disco por el mismo orden. Heroes te hace sentir vivo y expresa esperanza en un contexto de opresión. Bowie se inspiró en Berlín, y logró que tuviera un sentido romántico.
-Estuvo en contacto con él¿
-Sí, le propuse que participara en este proyecto, pero no quiso¿
-No, me refería a aquella época, a finales de los 70. Bowie y usted ya eran artistas establecidos, pero no quedaron fuera de juego con el punk.
-Sí, aunque, en América, Genesis fue el grupo más odiado por los críticos.
-En dura rivalidad con Emerson, Lake & Palmer.
-Exactamente. Todos veníamos de la clase media y no podíamos esconderlo. Los miembros de muchos grupos punk mentían sobre sus orígenes sociales y educativos. David Bowie tenía las mismas raíces que nosotros, aunque estaba más al día y era un extraordinario manipulador de la imagen. Tuvo mejor relación con la crítica que nosotros.
-En la segunda parte del show revisa canciones suyas con la orquesta. Y prescinde de Biko.
-Por primera vez, igual que Sledgehammer. A veces es bueno dejar que las cosas reposen durante un tiempo. En la segunda parte hay una mirada nueva a mis canciones.
-Entre 1977 y 1982 publicó cuatro discos en solitario. Luego su ritmo de producción ha cambiado.
-Sí, es muy lento.
-¿Le es más difícil componer, el nivel de exigencia es más alto¿?
-Hay una cuestión física. Antes trabajaba los fines de semana, hasta las dos o tres de la madrugada. Grabo menos porque tengo una nueva familia, joven, ya no trabajo los fines de semana y me gusta llevar a los niños a la cama. Llevo una vida laboral normal. También la industria ha cambiado; no es muy lucrativo grabar un disco. Así que no siento presiones. Antes los discos se hacían con prisas: recuerdo encontrarme en el estudio escribiendo los textos de una canción mientras los músicos esperaban a que terminara.
-ConSo (1986) atrajo a un nuevo público. ¿Ahora hace música para quien ha crecido escuchándole?
-Sí, no busco al gran público; me limito a hacer la música que me gusta, puedo pagar las facturas y me siento muy afortunado. He cumplido 60 años y una de las cosas buenas de hacerte mayor es que puedes ser quien eres y decir lo que sientes.
-No es un buen momento para los estudios de grabación.
-Es un momento terrible. Muchos estudios han cerrado; este es uno de los pocos que quedan fuera de las grandes ciudades. Los de Londres pueden cazar encargos de cine o publicidad. Cuando lo abrí, hace 20 años, facturábamos 2.000 libras (2.337 euros) al día; ahora son, no sé, unas 1.500 (1.753). No conozco ningún otro sector de negocio que ingrese menos que hace 20 años. Pero este es un lugar especial para mí, aquí puedo experimentar y conocer a músicos de todo el mundo.
-El papel de la música en las vidas de las personas, ¿es distinto con internet?
-Cualquiera puede encontrar una canción en el acto en cualquier lugar del mundo y en cualquier momento. Puede ser un Renacimiento cultural, pero si no pagas por las películas, la música, los libros... será imposible crear obras nuevas. Me gusta pensar en la industria discográfica como una industria de servicios para el artista, no como la propietaria de la música, y creo que es posible la coexistencia de la gratuidad y el pago. El modelo de Radiohead: que la gente se lleve las canciones pagando poco o nada y que pague por el disco bien presentado.
-Como pionero de la difusión de las músicas del mundo, ¿qué siente cuando oye a Vampire Weekend?-Es fantástico que haya una nueva generación de músicos con esa apertura de mente. Es parte de la naturaleza humana desconfiar de lo que es diferente y abrir los oídos es un esfuerzo. No puedes ser racista si conoces la música, las películas o los libros hechos en otros países.
-Sabrá que Sting también está de gira con una orquesta...
-Ya, no he visto su show¿ La vida tiene estas cosas, supongo. ¡Pero a mí se me ocurrió primero! (ríe).
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Patti Smith: "A veces, en el rock olvidamos lo que deberíamos hacer"

La gran dama del punk-rock vuelve a España con una gira generosa: seis conciertos en los que repasará sus viejos éxitos y sus nuevas inquietudes, como la literatura de Bolaño

Con alguien como Patti Smith, las presentaciones siempre corren el riesgo de caminar sobre tópicos. Dejémoslo en que el punk y el rock no serían lo mismo sin ella. La cantante nos regala un pedazo de gira por España, la mayor dentro de su agenda de 2010: Huelva (15 de julio), Cartagena (16), Vigo (18), Madrid (20), San Sebastián (21) y Sant Feliu de Guíxols (23). Patti Smith está, literalmente, «emocionada de venir a Madrid. Siempre me encanta volver, visitar los museos, y saludar al “Guernica”». Éste, asegura, «es mi año español».
–Es interesante, parece que la literatura se cruza, una vez más, en su camino...
–Sí, probablemente ha sido siempre lo más importante para mí. Siempre he amado los libros. Bolaño es un maestro, uno de los grandes escritores contemporáneos. Es lo que leo justo ahora.
–¿Cuál de sus libros?
–Bueno, los he leído todos. He leído dos veces «2666». Y justo ahora he recibido «El gaucho insufrible». Pero he leído «Los detectives salvajes», «La literatura nazi en América»... Todos.
–¿Ve poesía en el rock actual?
–Sí, creo que hay un montón de autores de buenas letras. La poesía se ha abierto paso a lo largo de la historia del rock y la gente joven está muy comprometida. En los comienzos del rock n’roll, las letras eran muy simples: no había precedentes. Pero hemos llegado a un punto interesante, en plena evolución.
–Canta, dibuja, expone fotografías... Su vida es como una obra de arte total. ¿Tiene más que ver con el rock o con el punk?
–Oh, no creo que tenga que ver con ninguna de las dos. Sí con mi amor por la cultura: desde que era una niña aprendí a leer, y desde temprano amé los cuadros. Cuando descubrí a Picasso me cautivó de inmediato. En general, me llama la atención todo lo que sale de la mente del hombre.
–Ha cantado sobre Guantánamo, el 11-S, Irak... ¿El rock debe preo-cuparse por el mundo?
–La gente debe preocuparse. Todos tenemos que hacerlo. Los artistas tenemos una posición única: si tienes un nombre, puedes ayudar o inspirar a otras personas. Pero todos tenemos que estar alerta. Una canción puede hacer algo, pero la única manera de que el mundo cambie es que la gente se movilice.
R.E.M. y Rimbaud
Las influencias de Smith son conocidas. «Bob Dylan –confirma la rockera– es un maestro del lenguaje. Pero también un tipo comprometido políticamente. Claro que también lo era Jimmi Hendrix: escribió grandes letras, como lo hicieron Jim Morrison y Jefferson Airplane». Pero añade, no es el único: «Kevin Shields y Michael Stipe tienen algunas de las mejores letras del pop». Y dice del cantante de R.E.M.: «Creo que me ha eclipsado de largo como autor de canciones. Ha escrito algunas realmente enormes». Sobre Rimbaud, el poeta maldito que la ha acompañado desde su juventud, cuenta con emoción el descubrimiento de una foto reciente del francés: «¡Fue algo muy emocionante! Realmente me tocó. Sin duda era él. Si miras en esos ojos, ves a una persona real; para mí fue una revelación».  Ella, a su vez, ha sido clave en más de un artista posterior. Y un álbum, «Horses», se cuela con letras mayúsculas en la historia del rock: «Fue muy importante para mí entonces. Llevaba trabajando en las letras del disco desde que tenía veinte años: eran mi mensaje para gente como yo que necesitaban que alguien se sincerase, gente solitaria a los que nadie llegaba. Pero nunca pensé que tantas personas iban a sentirse así. Fue realmente un honor. Y lo es: aún me sorprende cuando alguien me dice que mi música ha significado mucho en su vida», cuenta la artista de New Jersey.
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Andrés Calamaro: "Imposible frenar el narcotráfico"

MEXICO (AP) - Para el músico argentino Andrés Calamaro el narcotráfico es imposible de frenar y la lucha que libra el gobierno mexicano en su contra está perdida, por lo que tampoco hay nada que lamentar.
Calamaro quien bromeó que aún celebra la reciente despenalización de pequeñas cantidades de drogas para consumo personal en todo México, dijo luego en tono más serio que no tiene una solución precisa para acabar con el tráfico ilegal.
"Un poco de narcotráfico es necesario también, o sea algo mínimo como para mantener la alegría... pero ya hablando en serio, quiero decir que es imposible frenar (la guerra contra el narcotráfico) si es una guerra perdida no hay nada que criticar", manifestó en rueda de prensa previo a sus dos conciertos el jueves y viernes en la capital mexicana.
"El Salmón", como también se le conoce, calificó como tragedia el estado de salud de su compatriota Gustavo Cerati, quien sufrió un accidente cerebrovascular (ACV) tras ofrecer un concierto en Venezuela.
"Cada minuto es delicado, cada minuto es peligroso... quisiera mandarle a su familia y a sus amigos mi amor mi abrazo y el de todos nosotros", afirmó con el semblante serio.
En su tercera visita a México afirmó que dejó atrás el incidente en un hotel de Puebla, un estado al sur de la capital mexicana, donde se hospedaba el año pasado y de donde le robaron su computadora y dinero, entre otras cosas, lo que desató su ira y terminó rompiendo parte del mobiliario.
Afirmó que después de todo, ahora las computadoras son "desechables" y no duran más que un par de años, por lo que al final del día "no perdí gran cosa". Desistió además de entablar un pleito legal contra la hospedería.
Calamaro presenta en México su más reciente álbum "On The Rock", compuesto por temas en su mayoría inéditos, y en el que incluyó dúos con Enrique Bunbury, Calle 13 y Diego El Cigala, entre otros.
No obstante, el creador de éxitos como "Flaca" y "Sin documentos", quien tuvo un gran éxito como líder de la banda Los Rodríguez antes de lanzarse como solista, reconoció que su disco "La lengua popular" fue el que le dio una nueva vida a su carrera.
"Para mí... fue como 'Iron Man' para Robert Downey Jr.", indicó riéndose. El disco "me devolvió la confianza en el arte de hacer música".
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B.B. King: "Sólo me jubilaré cuando me llame el de arriba"

MADRID (AFP) - "¿Jubilarme? Yo solo me jubilaré cuando me llame el de arriba", afirmó el jueves el legendario guitarrista y cantante de blues, el norteamericano B.B. King, en forma y optimista a sus 84 años, en una entrevista del diario El Pais.
B.B. King inicia esta semana una gira en España, tras haber participado en el festival de música de Mawazine, en Rabat.
"Ya no toco tanto como antes, cuando hacía 300 conciertos al año, pero algún día todos tenemos que parar", precisó el versátil músico originario de Mississipi (sur de Estados Unidos), que también tocó con Eric Clapton o el grupo U2.
B.B.King, que había iniciado en 2006 las "giras del adiós", que luego se prolongaron, subrayó que contrariamente a otros cantantes de blues que "nunca sonríen", que "están serios y tristes", él es "un tipo feliz y siempre sonrío. Pero como dicen que toco bien el blues, lo sigo tocando".
Interprete de múltiples éxitos planetarios, el músico recordó que "aunque siempre quise ser un cantante de gospel, no de blues, pero con el gospel no me daban propinas en las esquinas y con el blues me daban unas muy buenas..."
Casado dos veces, B.B. King no reconoció los 15 hijos que le han atribuido: "No, son las mujeres las que dicen que tengo tantos", respondió a El Pais.
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Fito Páez: "Estoy harto del argentinismo"

'Confiá' es el nuevo disco del cantautor de Rosario

Fito Páez está animado y parlanchín. Copa en mano, se despacha a gusto sobre su vida, su música y los tópicos de la argentinidad. Sin pelos en la lengua.

¿En quién confía Fito Páez?
En mí mismo. Y al mismo tiempo, de mí mismo es de quien más desconfío (risas).

Éste es un disco con más pegada, más eléctrico que los anteriores...
Sí, es un disco vital, pero no es optimista, como cree mucha gente. Los textos son duros.

Desde luego, frases como "Cuidado con lo que quieres porque algún día lo puedes conseguir" dan qué pensar. Explíquese.
Cuando uno desea tanto algo, conseguirlo puede ser terrible. Lo lindo no es conseguir las cosas, sino el viaje, la experiencia.

¿Qué significa para Fito Páez ser argentino?
Ser argentino es ser insólito, raro, extravagante, único. Ojalá eso cambie, porque es desesperante. En todo caso, estoy harto del argentinismo.

A los que vemos su país desde fuera, nos cuesta comprenderlo...
Es que Argentina es un misterio en todos los sentidos desde su misma formación como país. Aunque es cierto que ese misterio tiene un gran encanto. El nuestro es un país atrapado en su propio embrujo.

Su disco ya circula libremente por la Red. ¿Cómo se lleva Fito Páez con las nuevas tecnologías?
En su día inspeccioné un poco el mundo de Internet y me parece horrible y sórdido. Veo gente encerrada, frustrada. No tiene que ver con mi naturaleza. Yo creo en el abrazo, en los besos y en la mirada. Allí no hay nada de eso, así que no me interesa. Yo soy romántico y criollo. A mí no me jodas. Yo me quiero tomar un vino y que no me hinchen las pelotas.

BIO. Nació en Rosario (Argentina) el 13 de marzo de 1963. Ha publicado una veintena de discos y ha hecho varias incursiones en el cine.
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Youssou N'Dour, con nuevo disco, dice: "no soy un rastafari"

"Me halaga que me comparen con Bob Marley, pero yo no soy un rastafari"

El músico senegalés Youssou N'Dour dedica su nuevo disco, «Dakar-Kingston» al reggae.

Youssou N'Dour es un embajador, es una paloma mensajera que ha volado desde su tierra senegalesa hasta todas las esquinas del planeta. En la valija, un cargamento de música de sabores ancestrales, luminosa, cálida, vitalista, palpitante. Cree en un Islam tolerante (recogiendo la herencia de de los místicos sufís y del maestro Ahmadou Bamba, santo musulmán que marchó al paraíso de Alá en 1927), en la universalidad de la música y en su mensaje solidario y comprometido que él siempre ha asumido, desde su nacimiento en Dakar, allá por 1959.
Se llama Youssou N'Dour y es uno de los más grandes de eso que, para abreviar, suele llamarse músicas del mundo. Como muchos de sus ancestros hicieran obligados y bajo cadenas, él también ha cruzado el Atlántico (libre como un pájaro, eso sí) hasta Jamaica, para dedicarle su nuevo álbum, “Dakar-Kingston”, al reggae. Y para que no queden dudas, la primera canción se titula “Marley”. Y la letra la firma Yusuf Islam, aquel que antes de su conversión a la religión del Profeta fuera conocido como Cat Stevens. Tyrone Downie, miembro de los Wailers y viejo colega de Marley, se ha encargado de la producción.
El origen del reggae“Crecí con el reggae, soy un gran aficionado –explica N'Dour-. Es una música que llevo dentro de mí desde siempre, algo que le sucede a muchos africanos, porque el reggae tiene su origen y sus raíces entre nosotros. Digamos que el hilo conductor del álbum es rendir homenaje a a Bob Marley, aunque he querido que las canciones, por decirlo así, tuvieran un envoltorio de reggae, y luego trabajarlas a partir de la música tradicional senegalesa. Sí, sí, estuve en Kingston, la capital jamaicana, de hecho el disco se grabó en los estudios de Marley”.
Bob Marley fue uno de los músicos más gigantescos que dio la música popular del siglo XX, alguien cuya influencia (no sólo musical) fue y sigue siendo imprescindible en la historia del pop. Incluso, aunque pudiera parecer todo lo contrario, los grupos punk se chiflaban por el reggae, con los Pistols y el recientemente desaparecido Malcolm McLaren a la cabeza.
“Marley consiguió algo que hasta entonces prácticamente nadie había logrado: convertirse en una estrella mundial viniendo de un país no desarrollado –continúa el artista senegalés-. Hizo pensar a la gente que se podía triunfar aunque se procediera del Tercer Mundo… En alguna medida, el contenido de mi música y mi mensaje puede ser parecido al de Marley, y me siento orgulloso y halagado de que haya gente que lo crea así, que me vean hasta cierto punto como un nuevo Marley… pero no, no soy un rastafari…”.
Monsieur N'Dour siempre ha sido un hombre comprometido con la libertad, con los derechos humanos y las reivindicaciones sociales de los africanos y, más concretamente, de su propia gente. “El pueblo senegalés tiene una fuerte conciencia democrática, y durante largo tiempo ha confiado en los políticos, pero hoy en día no está nada claro hacia dónde vamos, no atisbamos nuestro futuro. Creo que es un buen momento para el cambio, necesitamos un golpe de timón. No, no, yo no seré candidato a la presidencia, pero estoy estudiando los programas de los distintos partidos y apoyaré decididamente al que más me convenza…”.
Youssou N'Dour, que en discos anteriores ya jugueteó con cadencias guitarrísticas flamencas, reconoce que la música tradicional africana y el mundo jondo son músicas de raíz “fuertemente emparentadas”, y destaca que “en Senegal la música tiene una importancia social muy grande, la gente hace suyas las canciones, las siente como propias, como si formaran parte de sí mismos. Se sigue consumiendo mucha música local y tradicional, pero a la vez el espectro se está abriendo a otros géneros y estilos… estamos abriendo mucho las orejas”. No cierren las suyas. Se perderían el cantar de uno de los grandes. El ruiseñor senegalés.

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A pedido de un lector: El tracklist incluye las siguientes canciones

01. Marley (Ft. Mutabaruka)
02. Medina
03. Joker (Ft. Patrice)
04. Bololene
05. Bamba
06. Black Woman
07. Survie
08. Africa Dream Again (Ft. Ayo)
09. Diarr Diarr
10. Don't Walk Away (Ft. Morgan Heritage)
11. Bagn Len
12. Leteuma
13. Pitch Me

Cerati dice que tecnología lo ha hecho músico artesanal

LOS ANGELES (AP) - La abundancia de tecnología ha hecho de Gustavo Cerati, "un roquero cada vez más artesanal".

"Cuando comencé con Soda (Stereo) no existía ni siquiera el CD. Estábamos haciendo vinilos, tratando con muchas ganas", resaltó el ex líder de la emblemática banda argentina en una reciente entrevista telefónica con AP. "Antes la tecnología era más limitada. Ahora soy muy artesanal y genero muchos mosaicos musicales que me permiten construir canciones".

El guitarrista y vocalista muestra su soltura con tecnologías en su quinto disco solista, "Fuerza natural", del 2009, en el que dijo que usó computadoras para crear varios tipos de sonidos.

"El acceso de posibilidades es más limitante que la escasez. Frente a la escasez se redobla el espíritu de sacar algo. Cuando tienes demasiadas posibilidades, las decisiones se hacen más difíciles", agregó el roquero, quien el miércoles regresa a Los Angeles, al primero de dos conciertos pautados este año en Estados Unidos. "La tecnología es una herramienta más... la uso como si fuera un instrumento más".

El último concierto que Cerati dio en el área de Los Angeles fue en el 2007, cuando Soda Stereo inició su gira de "Me verás volver" por Estados Unidos. Entonces el grupo cumplía 10 años haberse separado. El se presentará luego en las ciudades mexicanas de Tijuana y Acapulco, para luego regresar en julio a Miami.

"Fuerza natural", que incluye 13 cortes, de los cuales varios tienen sabor a folk, sigue a "Ahí vamos" del 2006, con el que ganó el Grammy Latino a mejor álbum de solista de rock.

El mismo año, también ganó el Grammy Latino a la mejor canción de rock por "Crimen"; y otro como productor del disco de Shakira "Fijación oral Vol.1", que se llevó el premio al disco del año. Un año después se alzó con el Grammy Latino a mejor canción de rock por "La excepción".

"Busco una amplitud para mis límites y expandirlos en lo posible", manifestó el músico con relación a su proceso de crear canciones. "Es como un proceso dialéctico, a un disco que tiene cierta energía, trato de contrapornele cosas".

Cerati dice seguir teniendo un buen ritmo de creatividad artística.

"Tengo períodos cuando me siento a hacer algo así como gimnasia creativa para sacar ideas y también tengo momentos en lo que necesito tiempo para regenerarme", añadió el roquero de 50 años.

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Lenny Kravitz arranca de nuevo

A veinte años de su debut con Let Love Rule, el músico toca en lugares más reducidos antes de sacar un nuevo disco.

Lenny Kravitz está, supuestamente, volviendo a las fuentes. Vestido muy discretamente, de jeans y remera, está acurrucado en un sofá muy chiquito del camarín, en la clase de club donde no toca desde hace veinte años. Pero Kravitz todavía sigue teniendo muchísimo polvo de estrella encima como para que toda la cosa despojada suene convincente. En sus orejas y nariz, brillan los diamantes de sus piercings; un perchero cercano está lleno de cuero y pieles; y entre los desbordantes públicos de sus cinco fechas en el Fillmore de la Irving Plaza de Nueva York, están Jay-Z y ?uestlove. Todo esto sin mencionar que la prolija banda de Kravitz, con sus siete integrantes y sus amplificadores inmensos, apenas cabe en el escenario. "Vamos a volver a tocar en el Garden, y todo eso, dentro de un año", dice Kravitz, preservando su voz con un tono casi susurrante. "Pero ahora mismo, ésta es una buena forma de volver a conectarse." Las fechas en clubs inician una gira pensada para hacer correr la energía hacia un nuevo disco que está en progreso, Negrophilia, y para celebrar la reedición 20º aniversario de Let Love Rule, su debut de 1989. Por ese entonces, Kravitz era una anomalía. "Nunca enganché bien en ningún lado", dice con una sonrisa. "Se suponía que era un hombre negro enojado. Me acuerdo de que cuando recién empecé a hacer entrevistas, la gran pregunta era «¿Por qué no estás haciendo hiphop?»." Si bien nombra a Jack White y Justice como sus favoritos de hoy, todavía se siente fuera de lugar en el pop actual: "El Grammy debería ser para la computadora y no para el artista -dice-, porque todo pasa por la computadora". Pero está convencido de que puede volver a los charts en sus propios términos. "Siento como que recién todo está empezando a calentarse de nuevo, como si no hubiera hecho nada antes", dice. Así que se está tomando su tiempo con canciones nuevas relajadas, que van de la balada beatlesca "Dream" al funky con toques gospel de "Holy Ghost Injection". "Quiero estar tan expuesto como me plazca", dice Kravitz. "Si no crezco como artista, entonces tengo que parar. Me iré para ser un vagabundo de playa, en las Bahamas, y pescar."

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ZZ Top quiere bailar tango y comer carne argentina

Buenos Aires, 26 de abril (Reporter, por Mariano Lago). El grupo estadounidense ZZ Top está muy entusiasmado por su primera visita al país en más de cuatro décadas de carrera y declaró que cuando visite Buenos Aires no quiere perderse el tango ni la carne argentina.

Integrada desde hace más de 40 años por Billy Gibbons (guitarra y voz), Dusty Hill (bajo) y Frank Beard (batería), la agrupación de Texas tocará en el estadio Luna Park el 26 de mayo.

Será su primer show en Argentina y le permitirá a la banda concretar un anhelado concierto ante un público que, según comentaron los músicos, esperan que se "ponga loco" con sus melodías rockeras.

En diálogo con Reporter, el vocalista del conjunto habló del repertorio que interpretarán, de lo que aprovecharán para hacer durante su estadía en Buenos Aires y de cómo surgió el particular look de Gibbons y Hill, con sus enormes barbas.

+ ¿Qué repertorio van a presentar en el show de Buenos Aires?

Nos gusta tocar todas las canciones. Muchas nos son familiares, así que vamos a tocar los hits y los otros temas. Y cavaremos y encontraremos algunas no esperadas que presentaremos de una manera más fresca. Siempre estará ese elemento sorpresa en algún lugar, al acecho. Y desempolvaremos algunos viejos blues de los años 30.

Uno nunca sabe realmente con que se va a encontrar exactamente y lo que va a obtener. De todas maneras haremos lo mejor para mantener el show interesante y "en el tope" para ambos: el público y la banda.

+ ¿Cómo se dio la posibilidad de venir por primera vez en 40 años?

Simplemente sucedió. Creemos que ya era hora. Cuando comenzaron a confirmarse las fechas en Sudamérica insistimos en que Buenos Aires estuviera presente. Pasó un largo tiempo, así que estamos preparando un show para "rockear".

+ ¿Qué referencias tienen del público argentino?

Por supuesto que sabemos acerca del tango gracias a nuestro amigo Robert Duvall, quien esta empapado en el tema. Tengo entendido que hay una tradición de rock and roll en Argentina que data de antes de que nosotros empezáramos a tocar. Es una buena expectativa que el público en Buenos Aires vaya a, como decimos nosotros, "ponerse loco".

+ ¿Hay algún lugar que quieran visitar o alguna actividad que les gustaría hacer en Buenos Aires?

¡Oh si! ¡Quiero ir a ver las casas de Caminito, bailar algún tango y, por supuesto, comer alguno de los grandes bifes de carne!

+ Después de tantos años de carrera ¿El sentimiento por el rock sigue siendo el mismo?

Afirmativo. Lo venimos practicando por cuatro décadas y se ve que la vamos llevando bien. Somos los mismos tres muchachos tocando los mismos tres acordes.

+ La gente los recuerda por su música pero también por sus barbas ¿Cómo surgió ese look? ¿Se imaginaban que iba a convertirse en una marca registrada de ZZ Top?

En el principio, en algún punto del camino, nos tomamos un poco de tiempo e hicimos algunos viajes por nuestra cuenta. Cuando regresamos y nos juntamos, vimos que Dusty y yo nos habíamos dejado crecer la barba. Ciertamente nunca hablamos durante el tiempo que no nos vimos. Nos gustó el hecho de encontrarnos con un look que se dio casualmente. El ahora infame baterista, Mr. Frank "Sin barba" Beard, la llevaba en su nombre (N. de la R.: "beard" es "barba" en inglés), por así decirlo. Así que sólo dijimos "¡a rockear!". (Reporter)

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Dante Spinetta hará de gángster en México

El ex Illya Kuryaki, Dante Spinetta, compartirá créditos con Paco Ayala -de Molotov-, Sandra Echeverría, Héctor Suárez, Marco Pérez y Christian Vázquez

Dice Dante Spinetta, el músico argentino ex integrante de Illya Kuryaki & The Valderramas, que su ingreso al cine mexicano es por amor al arte, a las películas y a su deseo de que este sentimiento bañe a la sociedad entera, ahora más que nunca.

Lo curioso es que lo hará con un personaje oscuro, un dealer del narco, que es pieza clave en Aerosol, ópera prima de Mauricio de Aguinaco, cuyo rodaje arranca la semana próxima.

“Mi personaje se llama Loco y es una especie de gángster. Lo interesante es que la película tiene un mensaje positivo, de que hay que volver al amor para acabar con algunas cosas”, dice Dante a KIOSKO, vía telefónica.

El hijo de la leyenda pampera Luis Alberto Spinetta, está emocionado. Acaba de salir a la venta Pyramide, su reciente álbum, en donde cuenta con la colaboración, entre otros, del puertorriqueño Residente, de Calle 13, y de Adrián Dárgelos, de Babasónicos.

Ahora con Aerosol ayudará a contar cinematográficamente una historia urbana en la que el amor es eje central.

El ex Illya Kuryaki compartirá créditos con Paco Ayala -de Molotov-, Sandra Echeverría, Héctor Suárez, Marco Pérez y Christian Vázquez.

Con la producción de M Films y Jorge Jácome, el largometraje se rodará en locaciones del Distrito Federal y Nezahualcóyotol, estado de México.

¿Por qué actor?

En realidad siempre he disfrutado actuar, aunque sólo lo había hecho en videos, así que cuando me ofrecieron esta película y leí el guión, dije que sí por el tema. Además habrá escenas de combate, requiero de cierto entrenamiento físico y eso me emociona. Hay escenas de acción, hay un tiroteo, es una película de mucho frenesí visual, de la que no puedo decir mucho más.

Pero es un personaje oscuro

¡Pero todos hemos soñado con ser el malo de la película y ahora es como cumplir el sueño de niño! (risas).

¿Qué películas veías, en esa época?

Scarface es una de mis favoritas, ya no se diga Star wars que es épico para mí. O El Padrino, realmente son maravillosas esas películas.

¿Te basarás en alguno de esos villanos para tu personaje?

(Risas) Estoy tratando de que no se parezca a ninguno de estos personajes que son clásicos y que marcaron la historia. Voy a tratar de que el Loco sea el Loco y ya.

¿Le dicen el Loco por esquizofrénico o dualidad de carácter?

Es un “pibe” que tiene que adaptarse de manera brusca, se tira de cabeza a una pileta vacía; va siempre de frente y hace cosas extremas. Tiene también esa dualidad de ser alguien tranquilo y de pronto se convierte en un hijo de puta, es un asesino con cierto carisma.

¿Qué te ha dicho tu papá de tu entrada al cine?

Le gustó la idea. Finalmente tiene que ver con lo mismo (lo artístico). Lo mejor es que sabe que es un desafío.

¿Por qué dices que tu personaje tiene que ver con tu nuevo disco?

Se trata de un disco que escribí mucho de noche, habla de cómo se vende el amor, de cómo ésto se convirtió en algo social aceptable, de que una chica linda elige estar con alguien con billetera que con alguien con corazón. Yo hablo ahí de que hay que volver a la base, al amor real, de regresar a la fuente y ese es el mensaje de la película.

¿Vas a cantar en Aerosol?

Seguramente para el soundtrack habrá algo, no me cabe la menor duda.

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Jools Holland: "Me gusta mucho Carlos Gardel"

Antes de su concierto en el Gran Rex, la revista RS conversó con el pianista y conductor televisivo.

De músico a estrella de televisión, sin dejar de ser músico. Una definición vaga pero certera para la figura de Jools Holland: de tecladista de la seminal banda power pop Squeeze a conductor de Later... with Jools Holland (antes tuvo un pasó por The Tube, con la desaparecida Paula Yates), sin abandonar una carrera que incluyó una trayectoria como solista y, desde hace uno años, como líder de su Rhythm And Blues Orchestra, con la que se presentará el 8 de abril en el Teatro Gran Rex.

Un teléfono en Amsterdam, otro en Buenos Aires y una noticia inevitable para iniciar el diálogo: la muerte de Alex Chilton. Jools no sabía nada al respecto, y ante la pregunta sobre si el power pop de Big Star fue una influencia para Squeeze, se niega a aceptarlo con amabilidad: "Ellos tenían un sonido muy dulce, melódico y agradable, pero no influyeron en nosotros".

¿Qué nos podés adelantar del sonido en vivo de tu Rhythm And Blues Orchestra?
Tener una big band hoy en día es una especie de locura, y creo que eso habla bastante sobre mí: somos un montón de gente y eso suele traer dificultades. Lo que sí te puedo garantizar es que todo está tocado en vivo, sin ninguna clase de artilugio tecnológico. Eso se puede apreciar en la sección rítmica, que suena como una típica base de rock and roll. Y otra cosa que quiero aclarar es que no es una big band jazzera. Nosotros tocamos rock and roll, soul, boggie boggie y ska.

Estuviste a cargo de muchas de las entrevistas que se hicieron en el Anthology de Los Beatles. ¿Cuáles fueron los mejores y los peores momentos de esa experiencia?
Como sabrás, paso gran parte de mi vida en gira por todo el mundo. Y cuando estábamos haciendo el Anthology, los peores momentos tenían que ver con esos días en los que me tenía que encontrar con alguno de ellos al otro día por la mañana, y yo había tocado la noche anterior. Tenía que salir a verlos sin dormir, ¡y todo me salía mal! Y lo mejor tuvo que ver con el mero hecho de estar junto a ellos. Fueron una compañía fantástica, y aprendí un montón. Tanto fue así, que tuve el honor de que George Harrison grabara conmigo y mi banda una de sus últimas canciones que hizo en vida, "Horse To The Water".

¿Conocés algo de música argentina?
Charlie Watts me dijo que en Buenos Aires no me pierda por nada del mundo algún espectáculo de tango, que es una experiencia que debo vivir. Y eso haré. Tengo varios discos de Carlos Gardel y de otros músicos de tango de principios del Siglo XX, y me parecen fantásticos. ¡Espero descubrir más cuándo esté allí!

¿Qué suena ahora en tu iPod mientras estás de gira?
No paro de escuchar Emotion & Conmotion, el nuevo disco de Jeff Beck. Te lo recomiendo, más que nada por la hermosa versión de "Lilac Wine" cantada por Imelda May.

Por tu programa de TV, tenés que estar al día con la música británica. ¿Qué fue lo último que te sorprendió, y por qué?
Es verdad, me tengo que tomar el trabajo de escuchar cosas nuevas todo el tiempo, ¡pero más que trabajo eso es un placer para mí! Como te decía, me gusta mucho Imelda May, y también Amy Winehouse. La primera vez que vino al programa y cantó junto con la banda fue una sorpresa total para mí, y muy grata.

Y cuando viajás, ¿qué es lo que ponés en tu tarjeta de embarque? ¿Músico o estrella de televisión?
Pongo la palabra "experto". Con tantos años de carrera, soy un experto en ambas cosas (risas).

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Zeta Bossio: "La música electrónica tiene la actitud que tenía el rock en los 70"

Buenos Aires, 22 de marzo (Reporter). Tras la exitosa gira de regreso de Soda Stereo, y mientras prepara el lanzamiento de una nueva temporada de su ciclo televisivo dedicado a los festivales de rock, Zeta Bossio está más que entusiasmado con su nueva faceta de disc-jockey y compositor de música dance.

"Siento que la música electrónica hoy tiene la actitud que tenía el rock en los 70, de ruptura o de choque, algo punk", explicó este músico devenido DJ que busca abrirse paso en la escena bailable a nivel mundial.

En ese sentido, Bossio consideró que las nuevas tecnologías permitieron que fuera mucho más fácil esa vieja máxima punk del "hacelo vos mismo" y ayudaron a que surgieran nuevos canales de difusión de la música.

"La electrónica reúne a una gran cantidad de chicos alrededor de una compu como lugar de trabajo. Hacen todo ahí, es como un fogón: suben discos y los transmiten por la web. La PC es un integrante más o un medio para trasladar la música. Es un muy mal momento para las compañías grandes que muchos años vivieron de las obras de los artistas y una buena época para los artistas, con una enorme autonomía de su obra", indicó.

El bajista indicó además que ya tiene una buena cantidad de material nuevo grabada, pero que la irá dando a conocer de forma paulatina a través de Internet. "Tengo doce temas ya terminados, los iré soltando de a dos o tres por vez, desde principios de junio o julio", reveló.

Además, Bossio informó que el 28 de marzo comenzará por Sony Entertainment Television la nueva temporada de "Rock Road", el ciclo con el debutó como conductor y productor televisivo.

"La grabamos el año pasado y vamos por la sexta temporada, ya parecemos 'Lost', esperemos que no sea la última (risas). Gracias a estar en una cadena televisiva más grande nos acreditaron a festivales más fuertes como Glanstonbury, la madre de todos los festivales; cubrimos el regreso de Blur; entrevistamos a Lily Allen en Dinamarca; grabamos un festival en la Bretaña francesa con Lenny Kravitz y Bruce Springteen; hablamos con Moby… Fue una muy buena cosecha", adelantó. (Reporter)

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Emir Kusturica: "Me imagino viviendo en Argentina"

Buenos Aires, 11 de febrero (Reporter). En un capítulo más de su historia de amor mutuo con la Argentina y su público, Emir Kusturica está de nuevo en el país, para presentarse junto a su No Smoking Orchestra en el Luna Park y debutar en el Cosquín Rock. "Los mejores conciertos de la banda siempre han sido acá", aseguró.

El conjunto tocará el próximo jueves en el ex Templo del Box, en cuyo escenario ofreció un show para el recuerdo dos años atrás. Antes pasarán por el festival cordobés en la Comuna de San Roque, que marcará su debut en el país en este tipo de espectáculos al aire libre, y por Rosario y Neuquén.

De excelente humor, el cineasta serbio dialogó con la prensa local junto al cantante de la agrupación, Dr. Nelle Karajlic, adelantando cómo serán los conciertos y sus impresiones sobre el público local.

"Disculpen, todavía estamos medio dormidos. Es que al llegar a Buenos Aires, pasamos de 21 grados bajo cero a casi 40… entenderán que estemos un poco agobiados. Pero haremos que todo lo posible para que el show en el Luna Park sea a 80 grados", prometió Karajlic.

El músico aseguró, además, que los recitales que darán en cada oportunidad serán únicos. "Cada concierto de la No Smoking es uno totalmente diferente al anterior. Tocaremos temas de nuestros primeros discos y de nuestra ópera, pero será nuestra primera vez en un festival acá y estamos muy entusiasmados", reveló.

Para la banda, la oportunidad de sumarse al Cosquín Rock le permitirá conocer más de la escena musical local y su audiencia. "Soy un entusiasta de la Argentina incluso antes de venir a la Argentina. Cuando leí por primera vez a Borges, creí que en la Argentina eran todos intelectuales", contó Kusturica.

"Después, cuando vine, me di cuenta de que no era así. Pero también me di cuenta de que acá hay muchas cosas además de intelectuales, y ustedes tienen millones de similitudes con nosotros… ¡excepto porque juegan mucho mejor fútbol!", bromeó.

De hecho, para el director existe un lazo muy fuerte entre el carácter de los argentinos y su pasión por el fútbol y el rock. "Cuando juegan al fútbol acá lo hacen con una conexión emocional que nosotros también tenemos y que no encontramos en otro lugar. Es la misma conexión que logramos también en los conciertos. Por eso nuestro único disco en vivo fue grabado acá", aseguró.

"Tienen el mejor rendimiento emocional que conocemos. Hay una combinación mágica, que nos conecta emocionalmente con su gente. Sin dudas, Argentina es el lugar donde podría imaginarme viviendo. Y no lo digo como un halago, es lo que verdaderamente pienso", dijo.

Para él, los seguidores locales son con los que se siente más cómodo. "Estoy muy sorprendido por lo que sucede en la Argentina, los mejores conciertos de la banda siempre han sido acá. Lo digo en serio, no lo digo en cada país al que voy: es el mejor lugar para tocar. ¿Por qué? Porque nosotros encontramos sus puntos débiles, que tienen que ver con lo dionisíaco", contó.

El director de "Underground" también aprovechó para explicar cómo hace para combinar sus dos pasiones artísticas. "No hay tensión entre el cine y la música. El cine es música, si cerrás los ojos escuchando un tema ves la película. Hay una contradicción si sos músico y construís edificios…", explicó. (Reporter)

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